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Knowing there are no borders unless we think them…

For Artistic freedom! 200 theater people from Germany and abroad, a 6 hours workshop, discussions, writing down sentences, that are worse to write them down and an artist named Maxi Obexer, who wrote a kind of poem or statement out of all the sentences and thoughts: The Greifswalder Manifesto!

What we have in common

Standing on the threshold
Dancing along the borders
Words that fill our ears

Knowing the Other does not exist
Knowing there is no inside and no outside
Knowing there are no borders
Unless we think them

What we have in common
Are the things that make us different

Privileges if we share them
Words that move

What we share is
a trust in doubt
a gras pof crisis
an understanding of chaos

What we have in common
Are things that hurt us
Thea we ca be hurt
Mistrust of winners
Support fort he left-behind

Moments of trust
Moments of beauty
Moments of tears
Moments of powerlessness
Moments of happiness
Moments of tenderness
Moments of strength

Struggling with gravity
Getting up ever day
Fighting decay
Against hatred
Against destructive emotions

Trees that grow strong and tall
Words that fill our ears

Rhythms that we dance
Finding a voice that never fades
Echoing out into the universe
The universe we share

The pause before the difference
The search fort he way in
Into the common field
The search fort he shared space
The shared space of laughter

The presence oft he between

That we are guests
With hopes and desires
What we have in common
Is things that hurt us
That we can be hurt

That we can’t stop starting again

(Maxi Obexer and AGORA)


Arts in Exile

I just googled Max Beckmann, because I want to see the latest exhibition about his work at the Kunsthalle Bremen, and ended up on an awesome website that is called Arts in Exile. The website is availlable in German and English and run by the exile network and some of the most important German research institutions, museums and libaries. Lot’s of material about various artists who worked for film, theater, fine arts, literature and what not had ended up in exile for various reasons. You can search the material via “people”, “area of art”, “country of exile” and “profession” and it covers the periode from 1933 till today! Totally loosing myself in this virtuel archive at the moment. Check it out! If you are up for Max Beckmann you need to plan a trip to Bremen before February 4, 2018. Not sure, if I will make it…probably not.

Sound, Light, Stage, Multimedia – The Music Exhibition Frankfurt


PRG Laser Show

The live entertainment industry is a big market. Think about light and sound design, camera solutions, laser shows and pyrotechnics to name only a few working areas. Do you want to know what happens, if a person like me visits the Musikmesse Frankfurt (International Music Exhibition Frankfurt) for the first time? Well I will be please to tell you. I was overwhelmed, started to count the exhibition halls first and spent my lunch time to read the list of events to understand how huge this exhibition is. I really had noooooooo clue. There are about 11 huge halls with all kinds of instruments and equipments you can think of and check out. The program of the exhibition describes the fallowing major fields: Light + Stage, Sound + Audio, Light + Multimedia, Light + Effects, Education + Events, Classic meets Acoustic, Education meets Fun, Classic meets Keys, Electro meets Recording, Classic meets Jazz and Rock meets Pop. Not to speak about the additional Musikmesse Festival with another 30 locations and 50 concerts around the city in Frankfurt. The Musikmesse Frankfurt is an international trade fair for musical instruments, sheet music, music production and marketing (four days). The only way to survive and enjoy this exhibition is to filter quickly what might be interesting for oneself and focus on a very few topics and events you really want to learn more about. I found the prolight+sound conference quiet interesting and went to a lecture about Beijing Opera and Theatre traditions given by Gao Guangijan, the Director of Stage Design at the National Centre for Performing Arts in Beijing. His talk was very interesting, although just a very few people came to listen to this lecture and they had some problems to translate the Chinese presentation into English. The other thing I was impressed about was a backstage tour and equipment show in the hall rented by the company PRG. PRG is a company that offers one-stop production solutions for huge concerts in the live entertainment sector. The laser- and pyroshow was impressive and one technician told me that they worked for four days in shifts to build up all the computers and technical equipment (e.g. 9000 spotlights!) that was necessary for this exhibition. Well done I thought. They know how to sell their products and make money. If you want to master electrical and sound technology, want to learn more about event management in Europe and around the world or buy a new instrument this is your exhibition. Go and check out the Musikmesse Frankfurt next year. For those of you who are interested in Film. There is another exhibition coming up in Stuttgart / Germany at the end of this month that is called FMX – Conference on Animation, Effects, Games and Transmedia.

Gao Guangjian, stage designer, talking about the Beijing Opera traditions
Musikmesse Frankfurt, 2016


“Giselle” Live from the Royal Opera House

“Good evening everybody around the world.” It was the first time that I saw a production of the live cinema season 2015/16 of the Royal Opera House in London and I was thrilled. Only 22 visitors brought tickets for this cinema evening in Cassel (Germany) and it was a shame, because the show was fantastic! “Giselle” is a classic romantic ballet and most people know the story about the poor farmer’s girl Giselle, who is falling in love with duke Albrecht. He breaks her heart and in act two the Wilis, vengeful spirits of young brides who died before their wedding day, will try to dance Albrecht to death. But love wins in this powerful story! Peter Wright’s production for The Royal Ballet is based on Marius Petipa’s classic version, which was first staged in St. Petersburg in 1884. What makes a cinema screening of a production of a world famous dance company so special is the technical realization. “Giselle” was directed for the cinema by Ross Macgibbson in an excellent way. I don’t know how many cameras they use, but you can see every single detail on an 18 x 10 meters screen in a multiplex cinema. In fact you can see the facial expressions and the technical work of the dancers much better than form every seat in a performance theater. The price for this of course is that you miss the live atmosphere in an opera house. They try to compensate this with help of a live moderation from backstage before the show starts and with interviews in the intermission live from the foyer of the Royal Opera House. It is a good solution, because the moderator speaks live to the audiences in the cinemas around the world (in this case about 1500 cinemas). In addition they show the visitors in the cinemas produced short films with impressions of the rehearsals. That way one can really learn a lot about the creative process of the company. One other main thing that I missed was the total view of the stage. The cameras determine the point of view of the spectator. I see what the director wants me to see on the screen and I have no chance to focus on a ballerina in the corps de ballet only, like I could in the theater, if I wanted. I talked to a German technical employee in the cinema afterwards and he gave me some more information’s. They hardly have any technical problems with the live screenings any more, but there are only a very few shows that sell very well however. The Rocky Horror Show was a success and the screenings of the concert screenings of the Berliner Philharmoniker do very well. Besides the cinemas have similar problems just as the theaters. People like to stay at home these days and most of them have a huge TV screen anyway. We need to change that again people. It really makes a difference! I switch of my mobile phone, when I go to the theater or the cinema. I spent my time and concentration to enjoy a show with a friend. It’s a special evening and I am full of ideas and thankful afterwards. A TV never made me happy that way and I doubt anyone would disagree with me! What do you think? Share your thoughts about this question and live cinema screenings with me! Leave a comment!


“No mind control, no wall, just summer” The Angelcy are a fantastic Live-Band


This band of very talented young musicians from Israel will inspire you for sure! They are already the best newcomers in 2016 for me and I will tell you why. I was lucky to see The Angelcy live in concert in Cassel and I still have their melodies in my mind. With songs like My Baby Boy (refrain: “We are a natural disaster, lost all hope to ever understand”) or Giant Heart (“I don’t know what love is, but I know when I’m touched”) they moved and inspired me. To perform the song Giant Heart two of the musicians even jumped of the stage to create a very intimate atmosphere. Within their songs they are able to create an ease of handling difficult topics and emotions. The positive vibe on stage originated from the numberless instruments that the six musicians around the lead singer Rotem Bar Or played (Guitar, drums, string bass and Clarinet to name a few) and their overwhelming energy. They are a real Live-Band and that is a rare compliment these days. Soft political statements and ironic nuances support the unique lyrics of The Angelcy. They aim to describe the feelings of a young generation of Israelians, who are sick of the states old conflicts and the political dead end situation. They share their thoughts, hopes, dreams and stories and in doing so create a bit of hope for a more peaceful future full of music and love. If you missed the concerts in Germany you should check out their music here or here and buy their new CD EXIT INSIDE.

Introducing Theaters II: Staatsschauspiel Hannover

Staatsschauspiel Hannover im Januar 2016


The Staatsschauspiel Hannover has a long history, that goes back to the 19th century. The main building (Prinzenstraße) is a new, ultra-modern construction that opend up in 1992. The predominatly white building reminded me of a futuristic car park at first, but the large open space of the foyer creates an interesting atmosphere. Espacially because of the huge pictures of the ensemble and of productions, that one can see everywhere. There is also a theater museum with changing exhibitions inside of the theater. The entrance is free for people who have a valid theater ticket for the show of the day.

The Artistic Director since 2009 is the stage director Lars-Ole Walburg and he employed some of the best actors and actresses I know in Germany. Some of the artists worked at the Centraltheater in Leipzig for Sebastian Hartmann before they moved to Hannover. If you haven’t heard about Hartmann before, that might be an interesting theater research. His attempt to modernize the German state theater system and to push the boundaries was discused extensively in various theater journals over the years.

I saw the production “Maria Stuart” lately. Aesthetically I would say that the ensemble follows a post-modern agenda, where experimental theatrical perceptions and representations are created. The video trailers of the productions can give you a better idea of the different styles of directors like Sascha Hawemann, Martin Laberenz or Anna Bergmann. The actors are asked to make the audience aware of the live event and to involve them. They might break out of their roles and start to improvise or drink a beer with you, like it happend in “Maria Stewart” – here to ironically extend the farewell of Maria (the evening acuminates in here exhecution).

On how it is to sell a Newspaper like a homeless person – Selbstversuch als Straßenzeitungs-verkäuferin

Konferenz der Dramaturgischen Gesellschaft 2016


Erfahrungsbericht zum Praxisworkshop Im Stadtraum – Wir machen den Weg frei mit der Berliner Choreografin Helena Waldmann

von Corinna Weber

“Die Gmunder Festwochen suchen für die Aufführung von Cosi fan tutte professionelle Sänger. Wir können Ihnen leider kein Geld bieten aber eine kostenlose DVD von der Aufführung.”

(Quelle: ARTbutFair)

Im Rahmen der Konferenz der Dramaturgischen Gesellschaft habe ich an einem Praxisworkshop mit der Berliner Regisseurin und Choreografin Helena Waldmann teilgenommen. Ausgangspunkt waren vier von ARTbutFAIR gesammelte, unangemessene (unverschämte?) Stellenausschreibungen, entsprechend dem vorangestellten Beispiel, und der im Januar 2016 von Intendant Christoph Nix in der Süddeutsche Zeitung veröffentlichte Artikel: Bretter, die kein Geld bedeuten. Helena Waldmann richtete zwei Fragen an uns: Wie schwer ist es heute von der Kunst zu leben und wird Kunst als Arbeit anerkannt?

In unserer kleinen Gruppe mit ca. 10 Beteiligten waren wir uns vom Chefdramaturgen bis zum Pressesprecher ziemlich einig, dass viele unserer KollegenInnen (Tänzer, Schauspieler, Dramaturgen) und zum Teil auch wir selbst ganz aktuell am/unter dem Existenzminimum leben. Kunst wird als Arbeit, bedenkt man unsere Universitätsabschlüsse, nicht angemessen vergütet. Ich persönlich würde sogar sagen, dass Kunst als Arbeit von Teilen der Gesellschaft nicht ernst genommen wird. Die Menschen, die Kunst als Arbeit schon irgendwie ernst nehmen und uns glauben, dass wir an der Belastungsgrenze angekommen sind, argumentieren wahlweise mit Sätzen, wie:
„Ja, aber Du wusstest ja, worauf Du Dich eingelassen hast bei der Studienwahl (…)“
„Damit kann man eben kein Geld verdienen, aber immerhin hast Du Freude an der Arbeit.“
„Dann überleg doch mal, ob Du Dir nicht doch etwas anderes vorstellen kannst als Theater. Die Zeiten werden ja nicht besser.“
In solchen Äußerungen schwingen eine Anklage bezüglich der unklugen Wahl des Studienfaches, eine Abwertung der Studienleistungen aufgrund der vermeintlich selbstverschuldeten, problematischen beruflichen Situation und bisweilen eine negative Bewertung dessen, was man zum Wohlstand dieser Gesellschaft und zum Gelingen des sozialen Gefüges beiträgt mit. Wir Künstler liegen den Anderen auf der Tasche?! Ich bin diese Gespräche leid und muss als Dramaturgin wirklich lernen, mich entsprechend Helena Waldmanns Impulsgedanken, wie eine Bankerin zu verhalten und meine Künstler und mich selbst so gut zu beraten, dass wir nie wieder in die Falle tappen Energie, Ideen, Zeit und Nerven zu investieren, ohne nicht selbst dabei Geld zu verdienen. Denn von der Freude an der Arbeit und der Hoffnung auf Anerkennung und Erfolg kann ich meine Miete nicht bezahlen. Ich war in diesem Praxisworkshop also genau richtig.
Helena Waldmann hatte gelesen, dass sich das Klientel von Leuten, die die Berliner Obdachlosenzeitschrift Motz verkaufen zunehmend verändert. Es seinen nicht mehr nur Suchtabhängige oder in anderer Form ausgegrenzte Menschen, die diese Zeitung verkaufen wollen, um sich etwas dazu zu verdienen, sondern verstärkt auch Menschen mit künstlerischem / besserem Bildungshintergrund. Der folgende Artikel gibt entsprechende Einblicke. Darüber wollten wir gerne mehr in Erfahrung bringen und in einem Selbstversuch die Obdachlosenzeitung in der U-Bahn verkaufen. Ein konkretes Handeln, das man theoretisch als aktuellen Prozesses der Aneignung von Wirklichkeit beschreiben könnte, um diese mögliche Funktion des Theaters mal aufzugreifen.

Wir sind zunächst in die Redaktion der Motz gefahren und haben uns mit Christian Linde, dem Mitherausgeber und Mitbegründer der Motz, getroffen. Er hat sich erstmal für die improvisierten Räumlichkeiten auf einem fabrikartigen Gelände entschuldigte. Als Theatermenschen wunderte uns das alles natürlich nicht, denn wir wissen oft ganz gut, wie man aus der Not heraus agiert und das eben keiner die Mietpreise senkt oder eine Sanierung übernimmt, nur weil man sich für eine gute Sache engagiert. Den Kopf voller Input und Gedanken kauften wir am Ende des Gespräches jeder fünf Exemplare der Motz. Der eigene Kapitaleinsatz lag bei 2 Euro (0,40 Euro pro Heft). Wenn es uns gelingen würde die Zeitschriften für jeweils 1,20 Euro (empfohlener Preis) zu verkaufen, konnte jeder 4 Euro verdienen. Viel wichtiger war uns jedoch eigene Gefühle zu reflektieren, die Reaktionen zu beobachten, auf die brisante finanzielle Situation der Künstler und Dramaturgen in der Öffentlichkeit aufmerksam zu machen und mit den Menschen ins Gespräch zu kommen.

Ich fragte mich, ob sich in dieser ambivalenten Situation jeder überwinden wird? Ist es provokant, wenn ich mich gut gekleidet auf den Weg mache, um eine Obdachlosenzeitschrift zu verkaufen? Wird man mir eher zuhören und glauben, was ich zu berichten habe, weil ich mich aufgrund meiner Bildung gut ausdrücken kann? Fühlt sich der wirkliche Obdachlose, dem ich vielleicht begegne, verarscht? Bewerten mich die Menschen mit Blicken? Fühle ich mich unwohl oder gar minderwertig?

Die Feedbackrunde nach unserer U-Bahn-Fahrt hat im Ergebnis deutlich gezeigt, dass jeder Teilnehmer ganz unterschiedliche Erfahrungen gemacht hat. Einige wenige haben sich wirklich nicht getraut, weil das Schamgefühl zu grpß war, sie das alles sehr beschäftigt hat, oder sie tatsächlich in der U-Bahn einen Obdachlosen getroffen haben und es dann unangemessen fanden diesem Konkurrenz zu machen. Die Mehrheit ist meiner Beobachtung nach aber durch das Experiment gestärkt und ermutigt wurden, mit dem Thema an die Öffentlichkeit heranzutreten, weil die Menschen positiv reagiert haben.

Mir persönlich ist es leicht gefallen, die Leute offen damit zu konfrontieren, dass ich einen Universitätsabschluss und mehrere Jahre Berufserfahrung habe und trotzdem auf keinen grünen Zweig komme. Ich bin gut darin zu beschreiben, warum ich einen Zustand als sozial ungerecht empfinde und argumentiere gerne, wenn es darum geht sich für das Theater stark zu machen. Nach 20 Minuten hatte ich alle Exemplare verkauft und einige Leute haben ein paar Euro gespendet. Es gab insgesamt wenige ablehnende Reaktionen, einige mir-doch-egal Äußerungen und vereinzelt gezielte Aufforderungen weiter zu machen. Ich habe auch ausprobiert nur mit der Zeitung durch die U-Bahn zu laufen und zu fragen, ob jemand ein Exemplar kaufen will, und das hat als Verkaufsstrategie übrigens überhaupt nicht funktioniert. Die Leute wollen “beschäftigt” sein oder sind “beschäftigt” und man kämpft gegen Smartphones und Ohrstöpsel, um einen Funken Aufmerksamkeit.

Das brachte einen Teilnehmer auf die Frage, ob unsere Erfahrungen den Mitarbeitern der Motz helfen könnten einen Leitfaden für die Verkäufer zu entwickeln oder ob es sinnvoll wäre sich ehrenamtlich als (Verkaufs-)Mentor zu engagieren und Verkäufer zu schulen. Die Kommunikationsstrategien allein werden aber nicht alle Gründe der Abneigung, der potentiellen Käufer gegenüber dem Verkäufer überwinden können. Es bleiben Momente der Belästigung durch Geruch und Ungepflegtheit, wie es eine Teilnehmerin zu bedenken gab, oder Momente der Irritation durch Verwirrtheit und nicht “norm-konformen” Benehmens, wenn ein psychisch und physisch erschöpfter Mensch in seiner Not handelt.

Im Ergebnis war der Selbstversuch für mich eine Erfahrung, die mir helfen wird, menschlich geduldig zu bleiben. Die Fähigkeit sich in andere Menschen hineinversetzen zu können und der Wille, dies trotz aller Bedenken und Gegenargumente zu tun, sind für die Theaterarbeit weiterhin ganz entscheidend.