Tag Archives: Tanz

Dear Dance… / Lieber Tanz…

Due to the ongoing project by the artists Duo Deufert & Plischke called “Just in time” I wrote a personal letter to Dance…(pic shows the room, where you can read letters to dance by other people…)

Dear Dance,

when we met in my hometown Magdeburg I was already 15 years old and thought I was to old for Ballet. I tried it out anyway and over the years I switched from classical Ballet to Modern Dance, to Jazz, to Lindy Hop and arrived at Hoop Dance.

Whatever style or workshop…I always enjoy movement. It’s like been freed from thinking. Unfortunately I always thought in all these years I would be to old to make it a profession. Still I somehow shifted from studing Theater Studies to studing Dance Studies and made all my exams in dance history at the end. Today I’m 33 and we are closer to each other then ever.

I watch dance productions, I (try to) write about dance, I reflect on working conditions in dance and I take days of from work to go to the Dance Platform in Germany. It takes time to learn more about you and to describe what happens, when you move people. You are patient and you are addictive. Thanks for every movement that you provoke in my head and in my body. It was not to late and it is never to late to meet you. It’s so awesome to know you. YOU ROCK!

Lot’s of Love

Corinna


Lieber Tanz,

als wir uns in Magdeburg begegneten war ich bereits 15 Jahre alt und dachte ich wäre zu alt für Ballett. Probiert habe ich es trotzdem – wechselte irgendwann vom klassischen Ballett zum Modern Dance, dann zum Jazz, machte einen Ausflug in den den Lindy Hop und bin gerade beim Hoop Dance angekommen.

Egal welche Stilrichtung und welcher Workshop…ich hatte immer große Freude an der Bewegung. Es ist eine Befreiung der Gedanken vom denken. Leider habe ich in all den Jahren immer gedacht ich wäre zu alt, daraus noch einen Beruf zu machen. Trotzdem wurde aus dem Studium der Theaterwissenschaft am Ende ein Studium mit Schwerpunkt Tanzwissenschaft. Heute bin ich 33 Jahre alt und wir sind uns näher denn je und treffen uns ein oder zweimal die Woche.

Ich beobachte Tanz, ich schreibe über Tanz, ich denke über Arbeitsbedingungen im Tanz nach und nehme mir frei, um hier auf der Tanzplattform sein zu können. Es braucht Zeit Dich kennenzulernen und zu beschreiben, was passiert, wenn Du Menschen bewegst. Du bist geduldig und Du machst süchtig. Danke für jede Bewegung, die Du im Kopf und im Körper auslöst. Es war nicht zu spät und es ist nie zu spät. Schön Dich zu kennen!

Deine Corinna

 

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Dance Platform 2018 – Essen here I come…

It’s thuesday evening and I’m writing my Blog at night…when do you write your Blog? Got you…at night. I’m on “vacation” since 6:30 pm and will travel to Essen tomorrow morning and join the German Dance Platform Tanzplattform 2018 as a professional. I will see 7 dance performances till sunday. Sounds like a great plan, right!? Hope to talk a lot in between, because I’m working on the mid term plan to find a job as a Dance Dramaturg. Till then this is all just a hobby that my current employer doesn’t really care about…but I would love to make it a real job. (Catch (and hire) me, if you can! Smile!)

It’s my first time at the Dance Platform, an event that is organized since 1990 and takes place every two years in Germany in a differnet city. This year the Dance Plattform presents 13 remarkable contemporary dance productions produced in the last two years with substential German fundings and/or German choreographers/dance company. I’m really excited!!!!! There is an official Blog as well, if you are looking for more informations…but only in German as far as I can see.

This is how my schedule looks like:

  • Mittwoch, 14.03.2018
    (T1): Claire Cunningham & Jess Curtis: The Way You Look (at me) Tonight // 20h
  • Donnerstag, 15.03.2018
    (T1/T2) Grupo de Rua / Bruno Beltrão: Inoah // 17h
  • Donnerstag, 15.03.2018 Richard Siegal / Ballet of Difference: Ballet 2.018 & BoD // 20h
  • Freitag, 16.03.2018
    (T1) CocoonDance Company: MOMENTUM // 13h, (T1)
  • Freitag, 16.03.2018 Claudia Bosse / Theatercombinat: the last IDEAL PARADISE // 15h
  • Freitag, 16.03.2018 Eszter Salamon: MONUMENT 0.5: The Valeska Gert Monument // 20h
  • Samstag, 17.03.2018
    (T1) Xavier Le Roy: TEMPORARY TITLE, 2015 // 14 – 19h,
  • Samstag, 17.03.2018 Boris Charmatz / Musée de la Danse: 10000 Gesten // 20h

 

You saw any of the performances already and want to share your thoughts!? Cool! Write me a comment.

Good night and let’s dance this weekend for sure! In the pub, on the beach, no matter…

Corinna

 

What remains is movement – Personal thoughts about the Dance Congress

Is it just a good idea for a campaign or does it really effects the people and the dance professionals, if the German Federal Cultural Foundation supports a format named Dance Congress and calls the year 2016 a “Tanzjahr” (year of dance)? The Dance Congress held in Hannover from 16 to 19 of June was the 4th edition of its kind and the first one I experienced as a participant. I was thrilled to go and join all the performances, lectures and dance workshops and it was way worse it, to make that effort.

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She is a The German dancer Susanne Linke in action…

You simply know it’s a once in a lifetime chance to join a talk by the leading German dance artist Susanne Linke, who was a student of Mary Wigman and is now 72 years old, and to be able to even join her for a short teaching moment. She invited us to participate in a short practice rehearsal slot, because it is one thing to listen and to think about dance and another thing to experience a dance technique that is called “Inner suspension”. What a gift for young people like me, who only know her work, because we studied the VHS tapes and the DVD’s in the dance archive, that she is still so very motivated to share her knowledge. She surprised me in her talk being so open, deeply honest and overall humorously and moved as all deeply, when she talked about her friend and colleague Dore Hoyer (German expressionist dancer and choreographer) who committed suicide in Berlin on 31 December 1967.

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Open public warm-up for everyone with Boris Charmatz

I started my report with one of the highlights, but let’s go back and talk about the opening of the Dance Congress: a public warm-up in front of the Opera house in Hannover and therefore in the heart of the city. I can only support perception of Boris Charmatz, the choreographer and moderator of the warm-up, that this event is so popular that we should have a dance congress every year (not only every 3 or four years). We all stretched our legs and our minds and the dancers of his production Musée de la Danse: Common Choreographies was the best version of a vibrant dance archive I can think of. How cool to see a former dancer at the company of Pina Bausch (the German legend for the development of Tanztheater) in a performance, where she dances and talks about how Pina would teach at the same time. This playful game with the audience was just hilarious.

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Performance about Pina
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Me performing, inspired by Boris Charmatz evening “Tenir le temps”

The opening night was followed by a long Friday. I started at 9 am with a warm-up called “dance and gyrotonic”, went to lectures, used my lunch break for another physical exploration in “Jazz” (loved it), went to lectures again and last but not least saw the dance performance “Der Besuch” by Jörg Mannes (another highlight) in the evening of course. You can tell by now that I’m really up for dance and should become a dance dramaturge, don’t you? And guess what: I did all that again on Saturday and on Sunday. 

I also joined a lecture and a workshop called “Releasing the Archive” given by Carol Brown (New Zealand) and Thomas Kampe (Germany / UK).  The two artists talked about the Viennese dance avant-garde of the 1920s and 1930s. The research is based on the Jewish dancer Gertrude Bodenwieser, who migrated to Australia in the 40ies. One of the main questions was: “How does the appropriation of past methods influence present-day bodies?” Carol worked on a little choreography with us. She was so nervos when she gave the official theoretical presentation and relaxed when she worked with us in the study that I was glad that she found her Kiwi like peace of mind again. Thomas introduced us to the Feldenkrais method. The sense of self part of the method is very useful, but I can’t really enjoy the esoteric part of it. It depends on the teacher I guess. I just experienced another Feldenkrais teacher here in Ludwigsburg (Natan Gardah, a former dancer of the Batsheva Dance Company in Tel Aviv) and it was quiet different.

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Workshop with Carol Braun from New Zealand
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Choreographer Jörg Mannes (smiling) in a round table discussion

Last but not least we had the chance to meet and talk with leading choregraphers in round tabel discussions on Sunday, that took place in the big studio of the Opera house. I happend to listend to Simone Sandroni, who talked about his first year at Theater Bielefeld as artistic director of the Dance Company. I had a job interview with him last fall and I’m still sad, that it didn’t worked out, but of course I was too nervous to tell him or ask him about the reason. I’m not able to talk or network in these kind of situations…too much respect. I don’t want to force anybody to hire me. 😉 Second round I switched to Jörg Mannes, who workes for the Dance Company of the Opera in Hannover right now. He had a very honest and likeable why of talking about his own work as well and don’t took himself to seriously either. Third and last talk for me was with Richard Siegal, who talked about his brand new company “Ballet of the Difference” that is based in Munich now.

I was exhausted on my way back home, not ready for another working week, but happy and charged with ideas. My conclusion is yes, the Dance Congress is a platform that is able to affect people, to promote dance as an art form and to boost the exchange between theory and practice and people and professionals. I moved my body, I was moved emotionally and what remains is movement in my brain. Having said this: Dance on!

PS: You can find more information’s about the Dachverband Tanz Germany here. They webside also offers English data.

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“Giselle” Live from the Royal Opera House

“Good evening everybody around the world.” It was the first time that I saw a production of the live cinema season 2015/16 of the Royal Opera House in London and I was thrilled. Only 22 visitors brought tickets for this cinema evening in Cassel (Germany) and it was a shame, because the show was fantastic! “Giselle” is a classic romantic ballet and most people know the story about the poor farmer’s girl Giselle, who is falling in love with duke Albrecht. He breaks her heart and in act two the Wilis, vengeful spirits of young brides who died before their wedding day, will try to dance Albrecht to death. But love wins in this powerful story! Peter Wright’s production for The Royal Ballet is based on Marius Petipa’s classic version, which was first staged in St. Petersburg in 1884. What makes a cinema screening of a production of a world famous dance company so special is the technical realization. “Giselle” was directed for the cinema by Ross Macgibbson in an excellent way. I don’t know how many cameras they use, but you can see every single detail on an 18 x 10 meters screen in a multiplex cinema. In fact you can see the facial expressions and the technical work of the dancers much better than form every seat in a performance theater. The price for this of course is that you miss the live atmosphere in an opera house. They try to compensate this with help of a live moderation from backstage before the show starts and with interviews in the intermission live from the foyer of the Royal Opera House. It is a good solution, because the moderator speaks live to the audiences in the cinemas around the world (in this case about 1500 cinemas). In addition they show the visitors in the cinemas produced short films with impressions of the rehearsals. That way one can really learn a lot about the creative process of the company. One other main thing that I missed was the total view of the stage. The cameras determine the point of view of the spectator. I see what the director wants me to see on the screen and I have no chance to focus on a ballerina in the corps de ballet only, like I could in the theater, if I wanted. I talked to a German technical employee in the cinema afterwards and he gave me some more information’s. They hardly have any technical problems with the live screenings any more, but there are only a very few shows that sell very well however. The Rocky Horror Show was a success and the screenings of the concert screenings of the Berliner Philharmoniker do very well. Besides the cinemas have similar problems just as the theaters. People like to stay at home these days and most of them have a huge TV screen anyway. We need to change that again people. It really makes a difference! I switch of my mobile phone, when I go to the theater or the cinema. I spent my time and concentration to enjoy a show with a friend. It’s a special evening and I am full of ideas and thankful afterwards. A TV never made me happy that way and I doubt anyone would disagree with me! What do you think? Share your thoughts about this question and live cinema screenings with me! Leave a comment!

 

Swimming Pool of Emotions – Dance Company Cassel

Johannes Wielands reflections on the refugee crises in the dance production YOU WILL BE REMOVED at the Staatstheater Cassel

The stage looks like a cold, nacked location that reminds us of a swimming pool (stage design by Momme Roehrbein) in Johannes Wielands new production You will be removed.” There even is a spring board. However nobody can swim or dive here anymore to relax. There is no water left in the pool. Maybe nobody wants to swim these days, to make sure not to think about the bodies dying in the Mediterranean Sea every single hour. The bodies of the dancers are sliping down the stairs: sluggish, exhausted or even spit out dead by the sea. The bodies walk back up the stairs. They try again and again to arrive on stage. We can see their pain and we understand, that they are losing their strength and hope. Various other items on stage help us to recall a different setting. There are some chairs and suitcases, plastic sheets, a mattress and a palm tree. White is the dominate color. It might be a reference to an administration office or a refugee camp. However, if one observes the bodies in detail they look pretty and very sexy. The dancers are wearing dresses and pantsuits in very good quality. They dance in high heels or fancy sneakers, not in flip-flops. They are neither dirty nor injured. Obviously Johannes Wieland, as the choreographer of this evening, and his costume designer Stefanie Krimmel like to play with some signs of capitalism, our media perception and the ongoing discussions of whether or not the refugees that are coming to us are wealthy economic refugees (a common argument in Germany right now). The music and the situation changes from scene to scene numerous times. In the best moments of this evening the energy level of the company is incredible high and reminds me of the physical theater tradition of choreographers like Lloyd Newson or Wim Vandekeybus. Wieland even makes a reference to a very famous scene from Vandekeybus piece “What the body does not remember”, but instead of throwing bricks Wielands dancers throw and try to catch every-day items like shoes. Risk taking in dance is an important idea for this producition as it works as a metaphor for the risks that refugees take to come to Europe. Wieland consciously puts his dancers in jeopardy. They respond with daring jumps and they are able to climb high walls. They work their ass off to make us in the audience believe, that it is all so easy and that they truly believe the dream to dance is worse the risk, even if they already understand that it might be not. The allegory brings me back to the humans on the run for whatever reason. Everyone’s head in the audience is full of the pictures about the refugee crises in Europe. The media are flooding our minds in waves like Johannes Wieland is flooding our heads. There is a moment during the show, where the music becomes so loud that I thought the roof of the theater might break down over me due to the bass. An interesting evening, though I felt that some scenes drift into performance and are too long. Unfortunately it is not possible to drain the water out of the “pool” Mediterranean Sea to force all the involved politicians to act responsibly.

 

 

 

 

On how it is to sell a Newspaper like a homeless person – Selbstversuch als Straßenzeitungs-verkäuferin

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Konferenz der Dramaturgischen Gesellschaft 2016

 

Erfahrungsbericht zum Praxisworkshop Im Stadtraum – Wir machen den Weg frei mit der Berliner Choreografin Helena Waldmann

von Corinna Weber

Stellenanzeige:
“Die Gmunder Festwochen suchen für die Aufführung von Cosi fan tutte professionelle Sänger. Wir können Ihnen leider kein Geld bieten aber eine kostenlose DVD von der Aufführung.”

(Quelle: ARTbutFair)

Im Rahmen der Konferenz der Dramaturgischen Gesellschaft habe ich an einem Praxisworkshop mit der Berliner Regisseurin und Choreografin Helena Waldmann teilgenommen. Ausgangspunkt waren vier von ARTbutFAIR gesammelte, unangemessene (unverschämte?) Stellenausschreibungen, entsprechend dem vorangestellten Beispiel, und der im Januar 2016 von Intendant Christoph Nix in der Süddeutsche Zeitung veröffentlichte Artikel: Bretter, die kein Geld bedeuten. Helena Waldmann richtete zwei Fragen an uns: Wie schwer ist es heute von der Kunst zu leben und wird Kunst als Arbeit anerkannt?

In unserer kleinen Gruppe mit ca. 10 Beteiligten waren wir uns vom Chefdramaturgen bis zum Pressesprecher ziemlich einig, dass viele unserer KollegenInnen (Tänzer, Schauspieler, Dramaturgen) und zum Teil auch wir selbst ganz aktuell am/unter dem Existenzminimum leben. Kunst wird als Arbeit, bedenkt man unsere Universitätsabschlüsse, nicht angemessen vergütet. Ich persönlich würde sogar sagen, dass Kunst als Arbeit von Teilen der Gesellschaft nicht ernst genommen wird. Die Menschen, die Kunst als Arbeit schon irgendwie ernst nehmen und uns glauben, dass wir an der Belastungsgrenze angekommen sind, argumentieren wahlweise mit Sätzen, wie:
„Ja, aber Du wusstest ja, worauf Du Dich eingelassen hast bei der Studienwahl (…)“
„Damit kann man eben kein Geld verdienen, aber immerhin hast Du Freude an der Arbeit.“
oder
„Dann überleg doch mal, ob Du Dir nicht doch etwas anderes vorstellen kannst als Theater. Die Zeiten werden ja nicht besser.“
In solchen Äußerungen schwingen eine Anklage bezüglich der unklugen Wahl des Studienfaches, eine Abwertung der Studienleistungen aufgrund der vermeintlich selbstverschuldeten, problematischen beruflichen Situation und bisweilen eine negative Bewertung dessen, was man zum Wohlstand dieser Gesellschaft und zum Gelingen des sozialen Gefüges beiträgt mit. Wir Künstler liegen den Anderen auf der Tasche?! Ich bin diese Gespräche leid und muss als Dramaturgin wirklich lernen, mich entsprechend Helena Waldmanns Impulsgedanken, wie eine Bankerin zu verhalten und meine Künstler und mich selbst so gut zu beraten, dass wir nie wieder in die Falle tappen Energie, Ideen, Zeit und Nerven zu investieren, ohne nicht selbst dabei Geld zu verdienen. Denn von der Freude an der Arbeit und der Hoffnung auf Anerkennung und Erfolg kann ich meine Miete nicht bezahlen. Ich war in diesem Praxisworkshop also genau richtig.
Helena Waldmann hatte gelesen, dass sich das Klientel von Leuten, die die Berliner Obdachlosenzeitschrift Motz verkaufen zunehmend verändert. Es seinen nicht mehr nur Suchtabhängige oder in anderer Form ausgegrenzte Menschen, die diese Zeitung verkaufen wollen, um sich etwas dazu zu verdienen, sondern verstärkt auch Menschen mit künstlerischem / besserem Bildungshintergrund. Der folgende Artikel gibt entsprechende Einblicke. Darüber wollten wir gerne mehr in Erfahrung bringen und in einem Selbstversuch die Obdachlosenzeitung in der U-Bahn verkaufen. Ein konkretes Handeln, das man theoretisch als aktuellen Prozesses der Aneignung von Wirklichkeit beschreiben könnte, um diese mögliche Funktion des Theaters mal aufzugreifen.

Wir sind zunächst in die Redaktion der Motz gefahren und haben uns mit Christian Linde, dem Mitherausgeber und Mitbegründer der Motz, getroffen. Er hat sich erstmal für die improvisierten Räumlichkeiten auf einem fabrikartigen Gelände entschuldigte. Als Theatermenschen wunderte uns das alles natürlich nicht, denn wir wissen oft ganz gut, wie man aus der Not heraus agiert und das eben keiner die Mietpreise senkt oder eine Sanierung übernimmt, nur weil man sich für eine gute Sache engagiert. Den Kopf voller Input und Gedanken kauften wir am Ende des Gespräches jeder fünf Exemplare der Motz. Der eigene Kapitaleinsatz lag bei 2 Euro (0,40 Euro pro Heft). Wenn es uns gelingen würde die Zeitschriften für jeweils 1,20 Euro (empfohlener Preis) zu verkaufen, konnte jeder 4 Euro verdienen. Viel wichtiger war uns jedoch eigene Gefühle zu reflektieren, die Reaktionen zu beobachten, auf die brisante finanzielle Situation der Künstler und Dramaturgen in der Öffentlichkeit aufmerksam zu machen und mit den Menschen ins Gespräch zu kommen.

Ich fragte mich, ob sich in dieser ambivalenten Situation jeder überwinden wird? Ist es provokant, wenn ich mich gut gekleidet auf den Weg mache, um eine Obdachlosenzeitschrift zu verkaufen? Wird man mir eher zuhören und glauben, was ich zu berichten habe, weil ich mich aufgrund meiner Bildung gut ausdrücken kann? Fühlt sich der wirkliche Obdachlose, dem ich vielleicht begegne, verarscht? Bewerten mich die Menschen mit Blicken? Fühle ich mich unwohl oder gar minderwertig?

Die Feedbackrunde nach unserer U-Bahn-Fahrt hat im Ergebnis deutlich gezeigt, dass jeder Teilnehmer ganz unterschiedliche Erfahrungen gemacht hat. Einige wenige haben sich wirklich nicht getraut, weil das Schamgefühl zu grpß war, sie das alles sehr beschäftigt hat, oder sie tatsächlich in der U-Bahn einen Obdachlosen getroffen haben und es dann unangemessen fanden diesem Konkurrenz zu machen. Die Mehrheit ist meiner Beobachtung nach aber durch das Experiment gestärkt und ermutigt wurden, mit dem Thema an die Öffentlichkeit heranzutreten, weil die Menschen positiv reagiert haben.

Mir persönlich ist es leicht gefallen, die Leute offen damit zu konfrontieren, dass ich einen Universitätsabschluss und mehrere Jahre Berufserfahrung habe und trotzdem auf keinen grünen Zweig komme. Ich bin gut darin zu beschreiben, warum ich einen Zustand als sozial ungerecht empfinde und argumentiere gerne, wenn es darum geht sich für das Theater stark zu machen. Nach 20 Minuten hatte ich alle Exemplare verkauft und einige Leute haben ein paar Euro gespendet. Es gab insgesamt wenige ablehnende Reaktionen, einige mir-doch-egal Äußerungen und vereinzelt gezielte Aufforderungen weiter zu machen. Ich habe auch ausprobiert nur mit der Zeitung durch die U-Bahn zu laufen und zu fragen, ob jemand ein Exemplar kaufen will, und das hat als Verkaufsstrategie übrigens überhaupt nicht funktioniert. Die Leute wollen “beschäftigt” sein oder sind “beschäftigt” und man kämpft gegen Smartphones und Ohrstöpsel, um einen Funken Aufmerksamkeit.

Das brachte einen Teilnehmer auf die Frage, ob unsere Erfahrungen den Mitarbeitern der Motz helfen könnten einen Leitfaden für die Verkäufer zu entwickeln oder ob es sinnvoll wäre sich ehrenamtlich als (Verkaufs-)Mentor zu engagieren und Verkäufer zu schulen. Die Kommunikationsstrategien allein werden aber nicht alle Gründe der Abneigung, der potentiellen Käufer gegenüber dem Verkäufer überwinden können. Es bleiben Momente der Belästigung durch Geruch und Ungepflegtheit, wie es eine Teilnehmerin zu bedenken gab, oder Momente der Irritation durch Verwirrtheit und nicht “norm-konformen” Benehmens, wenn ein psychisch und physisch erschöpfter Mensch in seiner Not handelt.

Im Ergebnis war der Selbstversuch für mich eine Erfahrung, die mir helfen wird, menschlich geduldig zu bleiben. Die Fähigkeit sich in andere Menschen hineinversetzen zu können und der Wille, dies trotz aller Bedenken und Gegenargumente zu tun, sind für die Theaterarbeit weiterhin ganz entscheidend.